Dark Buddha Rising - Abyssolute transfinite

Une pochette aussi réussie qu'énigmatique. A la voir on peut se demander ce que vont contenir les deux galettes noires qu'elle renferme: du stoner doom enfumé? de la musique rituelle indienisante? de l'electro-transe sous champis? ou alors du black metal ésotérique aux vagues relents tendancieux, la faute à ce joli soleil noir en arrière plan...? Rien de tout celà... mais un peu de tout en fait! Avec les finlandais de Dark Buddha Rising on nage en plein sludge/doom ésotérique, sombre et massif comme une pyramide d'obsidienne, palpitant comme le coeur d'un sacrifié, mystique et envoutant comme les volutes d'encens d'une cérémonie impie.

Quatrième album pour ce trio venu du froid qui se fait peu à peu sa réputation chez les amateurs, surtout depuis leur passage remarqué au dernier Roadburn. Et pourtant c'est peu dire qu'on ne parle guère d'eux en général! Pour la promo on repassera. Pour le reste par contre on va rester un moment tant il y a à dire et ressentir.

Lourd. Dense. Brûlant. Suintant. Noir. Profond. On se perd en qualificatifs. On sait juste à l'écoute qu'on tient un truc pas banal, même si fait avec des éléments déjà connus mais si bien entrelacés qu'on reste captivé. Imaginez par exemple un Neurosis qui aurait trop écouté Magma. Ou Amen-Ra qui copule avec la lourdeur pachydermique de Fleshpress. Dark Buddha Rising tient d'ailleurs beaucoup du projet sludge de Mikko Asppa. Même intérêt pour les riffs lents et écrasants, pour les lignes de basse hypnotiques, même fascination pour les ambiances à la fois malsaines et délirantes. On dirait l'album Pillars passé à la moulinette tantrique. On se perd peu à peu dans ce labyrinthe de riffs gluants et opaques, de voix tantôt hurlées tantôt murmurées, de développements longs et tortueux cédant la place à des explosions dramatiques. Des montagnes sonores hallucinées. Des temples interdits. Des chants oubliés. Une longue hypnose narcotique, et ce soleil interieur brûlant, dévorant, s'ouvrant enfin dans une extase divine et douloureuse. Deux vinyls si denses et complets qu'on ne sait plus si l'album dure quarante minutes ou deux heures. Abyssolute transfinite est plus qu'une invocation, c'est un voyage vers des dimensions interieures oubliées.

Les versions LP étant tirées à relativement peu d'exemplaires sont maintenant assez chaudes à trouver. A l'heure ou cet article est écrit il en reste chez le label du groupe, Post RBMM. Et vu l'activité fournie des finlandais (quatre albums depuis 2007 quand même), on peut raisonnablement attendre du nouveau rapidement. On le souhaite!

(crédit photo Niels Vinck @ Roadburn).

Phurpa - Trowo Phurnag Ceremony

Ce qui est bien avec la musique (celà vaut aussi pour la plupart des formes d'art mais la musique est un exemple particulièrement révélateur) c'est qu'à force de toujours chercher ce qui se fait de plus innovant, avant-gardiste et j'en passe, on revient fatalement aux racines. Parfois même les plus inattendues. A croire que la création artistique n'est jamais qu'un Ouroboros se mordant perpetuellement la queue. Bref tout ça pour dire qu'en partant du drone par exemple on peut revenir quelque siècles, voire bien plus, en arrière.

Il était donc une fois quatre jeunes russes étudiants à la Fabrique of Cardinal Art de Moscou, travaillant sur les musiques rituelles et religieuses d'Iran, d'Egypte et du Tibet. Après quelques années de tâtonements ils créent Phurpa. Avec ce groupe ils redonnent vie à leur façon aux musiques tantriques tibétaines. C'est en particulier dans le repertoire de la tradition Bön qu'ils vont piocher. Le Bön, pour faire court, est la religion et l'ensemble de croyances tibétaines préexistant au bouddhisme, et qui se sont mélangés à celui-ci pour en former cette branche distincte des autres qu'on appelle 'bouddhisme tibétain' ou encore lamaïsme.

 bröööööööööööööööö.....

De la tradition Bönpo les musiciens de Phurpa ont retiré un goût pour les polyphonies. D'ailleurs Phurpa est plus à considérer comme un ensemble vocal que comme un groupe. Le chant occupe tout l'espace, un chant ou plutôt une superposition de chants graves, guturaux, dissonants. Les instruments traditionnels (rkang glings, gyalins, damarus, cymbales, ngas, bols chantants...) restent très discrets et jouent plus le rôle d'accompagnateurs, soutenant le chant et scandant les différents passages. Mais c'est bien la voix qui est maîtresse chez Phurpa, cette voix à la dimension spectrale fantastique, psamoldiant les mantras et emplissant tout l'espace jusqu'à presque en déformer la perception que l'on en a. Musique tantrique par excellence, l'experience Phurpa réclame quand même un effort pour être pleinement appréciée. Le style est volontairement monotone et exige de l'attention. Cette rudesse au premier abord est le prix à payer pour qui veut s'immerger dans la vraie musique rituelle, porteuse de sens. Il faut apprendre à laisser le temps au son de frayer son chemin dans notre univers mental et d'y faire son effet.

Quel rapport avec le drone au fait? D'abord que nos russes chantants ont été repérés par Stephen O'Malley. Le maître ès-infrabasses a été séduit au point de les signer sur son nouveau label, Ideologic Organ (en fait une sous division du label Mego pour laquelle O'Malley est curateur), et qu'il les embarque de plus en plus souvent avec SunnO))) en tournée. Ensuite que Phurpa bien que n'étant pas du drone s'en rapproche énormément: même culte de l'onde sonore et de ses effets, même minimalisme hypnotique, même mysticisme caché... En fait Phurpa met en valeur les liens de descendance qui se tissent entre courants musicaux. Et nous font prendre conscience que le drone est bien l'héritier de ces musiques 'primales' et sacrées qui recherchaient la transe et l'illumination par le son.

Trowo phurnag ceremony est encore trouvable sur diverses distros, dont Drone records.

Les photos sont reprises du site du groupe http://phurpa.ru/.

Live report: Tapette Fest, Campénéac, 1 et 2 juin 2012

La Bretagne, terre de paysages verdoyants, de patrimoine ancestral, de bigouden ridées et… de festoches!  J'ai beau avoir décidé de tirer un trait sur le Hellfest cette année (trop cher, trop déjà vu, trop relou), le sort m'aura quand même traîné de nouveau du côté de Brocéliande pour une escapade musicale. Au Tapette Fest -alias Festival du Pathos- sixième du nom! Officiellement pour servir de roadie aux membres de Malhkebre, officieusement pour m'en mettre plein les cages à miel pendant deux jours. A part les agent actifs de l'ignominie susnommés et les parisiens Aluk Todolo, je ne connais rien des artistes présents à l'affiche, mais les connaisseurs me disent que le Tapette Fest est un grand n'importe quoi dont on ne ressort jamais déçu. Ok, ça roule.

En plus de dix ans d'existence, le Tapette n'en est qu'à sa sixième édition. La faute à plusieurs césures, pour cause de difficultés diverses (financement, orga ou divers problèmes rencontrés sur le Tapette #5 qui ont obligés à une petite pause…) et déménagements. Cette année c'est la petite commune de Campénéac (Morbihan) qui accueille le fest.

Arrivés sur place on a vite fait de se familiariser avec les lieux, puisque le site même (hors camping et parking) ne tient même pas sur un demi terrain de foot. Un chapiteau-scène, une tente-buvette, une caravane à sandwiches et un barnum-stand de merch. Plus des toilettes sèches dans un coin et un stand de shirts et affiches sérigraphiés à la main et on a tout ce qu'il faut. Que demander de plus qui ne serait superflu? Un festoche à taille humaine, pour de vrai. En plus l'ambiance est vraiment à la cool et les différents publics présents (allant du punk à chien au teufeur en passant par tout ce qui se trouve en matière de metalleux, rocker indie, skin, coreux etc.) cohabitent gentiment.

On aura quand même raté le début, n'arrivant que pour voir la fin du set de France Sauvage, assez bruitiste et péchu, mais trop peu vu pour s'en faire une vraie idée. De Will Guthrie je ne verrai presque rien mais le peu que j'en entendrai semble bien bon, basé essentiellement sur des soli de percussions et batterie. Pas vu Headwar non plus, en revanche Scorpion Violente fera un effet bœuf, malgré une phase d'adaptation nécessaire. Le duo français nous délivre une electro limite transe par moments, mais sur le fond assez crade. Ça fait voyager tout en pulsant le dancefloor de vibrations pas toujours complètement positives. Eux appelle ça de la "disco pour vigiles". Une version camée d'Underworld? Ça m'y a fait penser par moments, tout en gardant un je-ne-sais-quoi de typiquement frenchy. Excellent mélange pour un set détonnant, un groupe qu'il me faudra suivre. Le temps de revenir sur terre et on enquille avec les espagnols de Rageous Intent. Soit du grind, du vrai, con comme ses pieds comme il se doit, blastant non stop sur des morceaux ne dépassant quasiment jamais les deux minutes mais avec quand même suffisamment de petits mid-tempi de ci de là pour faire son effet. Du bon arrachage de tête, à défaut d'être une grande découverte.

La fin de soirée se passera en dévotion devant Aluk Todolo. C'est peu dire qu'ils auront livré un très bon set, axé principalement sur des titres inédits à paraître sur le prochain album. Quarante minutes planantes, basées sur des empilements de nappes sonores et larsens. Il faut bien la frappe tribale et musclée du batteur Antoine Hadjioannou pour donner à ces fils de Magma l'énergie vitale nécessaire pour faire décoller le tout. Et on décolle avec eux, pris en transe, étourdis par l'accumulation de collages sonores et de lignes de basse obsédantes. Paroxysme atteint sur une version explosive du titre "March" en conclusion, explosion libératoire d'un concert/expérience aussi passionnant que difficile à décrire. Et encore, on se dit que dans une vraie salle avec un meilleure son et des lumières appropriées, l'effet doit être encore plus détonnant. En tout cas, au vu de ce qu'on a entendu et vécu, on salive d'avance pour ce nouvel album dont les extraits dévoilés dévoilent du très bon.

Des expérimentations noise...

...et des rythmes tribaux, la magie Aluk Todolo.

Crevé tant par la route que par le live, je zapperai volontairement Shit and Shine et Tzii, mais le peu que j'en entendrai depuis le camping ne me donnera pas vraiment envie de me relever. 

Samedi, deuxième jour. Suite à divers impondérables (groupes annulés, en retard etc.), le running order en prendra un coup. Certains groupes changeront de place sur l'affiche, d'autres s'ajouteront sans avoir été annoncés, bref c'est un peu le bordel, à tel point que par moments on ne sait plus exactement ce qui passe sur scène.

La journée débute avec un dreadlockeux inconnu venu nous présenter un blues plutôt ténébreux. Seul à la gratte, accords simples et voix grave, a priori rien pour sortir du lot. Sauf que le monsieur à la bonne idée de plomber sa ziq d'effets de manche dissonants, de samples bruitistes, et de saupoudrer le tout d'un chant très déclamatoire vaguement halluciné. Bon mélange et une sauce qui prend bien. Le petit parterre couché dans l'herbe devant lui fait une ovation méritée. Je regrette de ne pas avoir retenu son patronyme.

 Si un internaute charitable peut me dire qui est ce type...

C'est ensuite le derviche noise de Chausse Trappe qui prend le relai sous le chapiteau. "Derviche noise"? Oui oui, c'est ça. Vous prenez du rock noise vénèr' comme c'est bien à la mode en ce moment et vous y ajoutez du violon. C'est trad' et électrique, ça charcle et ça fait planer, c'est transe et furieusement rock en même temps, bref c'est bon. Plus en tout cas que Noir Boy George, qui vient ensuite. J'ai peine à décrire ce qui sonne comme de la dance vaguement J-Pop par moment assortie de textes très décadents que ne renieraient pas Costes ou Diapsiquir. Bref c'est sale et dérangeant derrière une façade faussement innocente, le concept est excellent mais au final j'ai quand même eu du mal à totalement adhérer. A retester pour voir. Love Sex Machine sera plus conventionnel avec du gros stoner qui tâche. Massif, tout d'un bloc, limite barbare, voix screamo monocorde et amplis Orange poussés à bloc, faut pas s'étonner si ça déclenche quelques pits bien sentis. Basique mais très bon. Dommage juste que la puissance dégagée ait fait sauter trois fois les plombs pendant le set, obligeant à de frustrantes interruptions au grand dam d'un groupe qui n'en peut mais. En tout cas ils ont remporté tous les suffrages, et c'était mérité vu la prestation. Un peu trop répétitif pour me passionner sur disque mais je les reverrai sur scène avec plaisir. Zed par contre j'éviterai. Je n'ai rien contre le free jazz, à condition que ce soit bien fait. Hors avec un batteur à la ramasse et un saxo et une guitare en roue libre, ça sent le grand rien. Limite l'imposture même, tant leur musique ne dégage rien d'autre qu'un profond sentiment de vacuité. N'est pas John Zorn qui veut.

Je zapperai plusieurs groupes suivants pour raison d'aide logistique aux Malhkebre, ne voyant que le set des anglais Trans/human depuis les coulisses. Et c'est peu dire que c'est très bon! Après un départ un peu chaotique le duo de Sheffield, qui passe pour la première fois en France, déploie avantageusement sa noise répétitive et mystique. Les vagues de larsens et les roulements de percus donnent une note presque tribale à un set pourtant très électrique. De ce magma sonore fécond ressort une ambiance transe très prenante, presque hypnotique. Excellente découverte que voilà, pour un groupe qui mérite qu'on les suive, surtout que les deux gars sont particulièrement modestes et accessibles à la discussion. Chapeau à eux, et au plaisir de les revoir!

Malhkebre donnera en revanche un set assez particulier. De prime abord on peut se demander ce qu'un groupe de black metal aussi virulent musicalement qu'idéologiquement vient faire dans un fest pareil. Mais c'est la magie du Tapette Fest de programmer et faire cohabiter l'improbable, et ce finalement avec une certaine cohérence. Les toulousains en tout cas livreront un set brutal comme ils en ont l'habitude, blastant furieusement leur black chaotique (qui me fait toujours repenser à Antaeus pour ses parties les plus intenses) assortis des passages doomisants et des discours martiaux de rigueur. Très bon dans l'ensemble, mais avec un étrange sentiment de décalage dû au lieu et au public. Voir des teufeurs en pleine montée de MDMA pogoter sourire aux lèvres devant un groupe aussi extrême à tous les niveaux laisse songeur. Le message est-il passé? J'en doute, mais bon concert quand même.

 Malhkebre vu côté coulisses...

Du Syndicat MMX je n'aurais pas le temps de voir grand chose, juste de capter au vol un peu de leur indus martiale et menaçante, lourde comme du plomb et assez oppressante. Ça avait l'air très bien, mais j'étais pris ailleurs. Dommage. La soirée se terminera pour moi de façon improbable devant L.E.G., soit du heavy rap bruxellois de très bonne facture, prenant le meilleur du flow east coast assorti d'expérimentations sonores poussant vers l'electro ou le drone. C'est catchy as fuck, prenant, et en même temps vaguement malsain. Encore une bonne surprise, et pourtant c'est peu dire qu'à la base le hip-hop n'est pas ma tasse de thé.

Trop cramé pour poursuivre, je ferai l'impasse sur le hardcord furieux de Strong As Ten et la disco pop déjantée de Duflan Duflan. Dommage mais j'ai eu déjà ma dose de découvertes, comme tout le monde d'ailleurs. Bilan plus que positif d'un petit Fest qui risque fort de me voir revenir pour les prochaines éditions. Et que je recommande chaudement. Parce que voir des gens mouiller la chemise pour organiser deux jours de grand n'importe quoi musical de haute qualité, en totale indépendance et avec modestie, moi je dis bravo. L'orga est très bonne pour du DIY, et on reste admiratifs de voir s'enchainer avec finalement une certaine cohérence des références musicales aussi éloignées les unes des autres qu'improbables en elles mêmes. Gloire au Pathos!

Ra Al Dee Experience - Demo 2009

Le metal a ce don particulier de mener un peu à tout. Magie d'un style musical qui, pour peu que l'on ne soit pas trop fermé et que l'on ose, peut ouvrir des connexions inattendues et intéréssantes. C'est un peu ce que fait le sieur Mors Dalos Ra depuis quelques années. Ce Berlinois s'est forgé experience et notoriété dans les tréfonds de l'underground avec son groupe maintenant bien établi, Necros Christos. Soit un retour aux origines d'un death metal glaireux, profond, morbide et occulte comme on en écoute pas assez souvent. En deux albums et une belle quantité de splits et minis, il a reposées les bases d'un style résolument old school, mid tempo, délaissant la brutalité pure pour lui favoriser un groove à la fois malsain et fascinant. Avec pour particularité, en plus, de jouer à fond la carte ritualiste: à la manière d'Acheron, les titres de Necros Chrisos sont entrecoupés d'interludes instrumentaux allant de la musique liturgique chrétienne à celle, plus profane, médiévale ou orientale. Une originalité qui sonne souvent comme une hérésie dans le petit monde du metal, mais qui ouvre de belles portes. Et une de ces portes est Ra Al Dee Experience.

Se plonger dans la musique orientale est une chose, mais il est frustrant de ne s'en servir qu'à des fins "décoratives". D'autant que Mors Dalos Ra est un homme et un artiste complet qui vit ses trucs à fond. C'est parcequ'il fut marqué dès l'enfance par des expériences de sortie du corps (lire à ce sujet son interview édifiante dans le fanzine Oaken Throne #6) qu'il s'est tourné vers l'occultisme. C'est parceque la guitare fût une révélation qu'il en fît son métier, devenant enseignant de guitare classique en conservatoire. Et son amour pour les musiques arabo-andalouses et orientales l'a conduit à en faire un vrai projet. Avec son compère Ben Ya Min Al Dee, il créé Ra Al Dee Experience, duo guitare/percussions qui nous emmène des rivages d'Al Andalous à ceux de la Perse.

Ce qui est bien c'est que les deux hommes ne font pas un décalque stérile des musiques traditionnelles orientales, façon carte postale, mais qu'il s'en inspirent plutôt pour faire leur truc à eux. La musique de Ra Al Dee Experience sonne donc comme un mélange des genres gardant un charme ancien allié à des sonorités et rythmiques plutôt modernes. Assez hétérodoxe pour les puristes mais empreint pour le coup d'une véritable personnalité. Un pont entre plusieurs mondes et plusieurs époques. Musicalement la formule est très simple: guitare et percussions. Des morceaux courts, portés sur une mélodie souvent entêtante et rejouée sous forme de variations. Pas de longs développements, pas de chant, à peine une très légère nappe de synthé par moments pour poser l'ambiance, et c'est tout. La forme est très dépouillée, le son très organique et ample, le tout finalement chaleureux. On est plus proche du thé à la menthe que de l'invocation à Kali, et de la part d'un metalleux connu pour mener un des groupes les plus occulte et morbide du moment c'est à la fois inattendu et rafraîchissant.

Après quelques années de travail dans une relative discretion,  le duo nous offre enfin une première démo. Hélas, elle n'est pour l'heure disponible qu'en téléchargement. Il faut espérer qu'elle sortira prochainement sur format physique, si possible en vinyl ça ne serait pas plus mal (le rapport à l'objet, l'importance du visuel etc etc.). En attendant ne faisons pas nos snobs et ne boudons pas ce petit voyage musical, il en vaut la peine.

La démo est écoutable et téléchargeable (payant) sur le Bandcamp du groupe: http://ra-al-dee.bandcamp.com/

Infos générales via le site/facebook: http://darknessdamnationdeath.com/ra.al.dee

Blood Axis - Born again (2010)

Voilà un album dont la sortie est passée curieusement presque inaperçue. Peu de promo, à peine plus de bouche à oreille et des chroniques finalement plutôt rares, surtout en français. Etrange quand on connaît l'aura et le crédit donné au groupe qui hante les tréfonds de l'indus et de la neofolk depuis 1989. Trop exigeante la musique de Blood Axis? Ou est-ce encore dû à la vague odeur de soufre que le sieur Moynihan traîne toujours derrière lui?  Incidemment cela pose la question de savoir pourquoi des groupes majeurs restent dans l'ombre alors que quantité de productions médiocres bénéficient d'une forte attention. Je ne trancherai pas, ce serait une perte de temps. Ainsi va le système. Ce qui importe c'est ce qu'un artiste a à nous dire. A donc. 

"My spirit lead me to speak of forms changed into new bodies". Les mots d'Ovide ouvrent l'album de façon fort symbolique. Parce qu'en effet si l'essence de Blood Axis reste la même, sur la forme la troupe de Michael Moynihan a fait sa mue. Toujours entouré des fidèles Robert Ferbrache et Annabel Lee (plus quelques guests de qualité comme Bobby Beausoleil), le maître de bord emmène sa barque vers de nouveaux rivages. Ceux d'une folk à forte consonance celtique, presque débarrassée de ses intonations indus des débuts, centrée sur le violon et le chant. Pas si nouveau que ça dans l'absolu si on tient compte des titres passés s'aventurant déjà sur ces territoires ("The march of Brian Boru", "Seeker"…) voir même de l'album concept élaboré avec les gus d'In Gowan Ring (The rites of Samhain). Sauf qu'ici il ne s'agit plus d'expérimentations mais bien d'un parti pris intégral. Ce n'est pas pour rien que l'album s'intitule Born again! C'est bien une nouvelle naissance que Moynihan nous offre.

Alors, quel programme pour ce Born again? De la folk, ai-je dit. Relativement épurée, portée par les guitares, violons, banjo et bodhràn, soutenue par des percussions tribales et enveloppée de très rares nappes ambiantes. Pour ceux qui se sont arrêtés à The gospel of inhumanity le changement est de taille! Fini les consonances indus, les rythmes martiaux, les samples de discours grandiloquents. Blood Axis a changé de peau. Mais en apparence seulement, car l'essence profonde du groupe reste la même: nostalgie, rejet de la décadence moderne, philosophie et toujours cette mélancolie non stérile. Et bien sûr il y a la voix de Moynihan, toujours aussi grave et profonde, captivante et intimidante. Elle fait le fil conducteur entre des titres souvent très dissemblables. Si un titre comme "The vortex", avec son long monologue porté par un piano mélancolique et répétitif, rappelle les grandes heures de "The voyage", "Madhu", "The path" ou "Churning and churning" sont plus accessibles, courts et mélodiques, tout en restant très travaillés et profonds, même si de façon subtile. Bref rien n'est renié. Blood Axis ne fait pas de compromis, il ne fait que changer son fusil d'épaule pour aborder son propos sous un angle nouveau. Et cette épure sonore convient pour le coup parfaitement à la poésie dégagée. Une évolution.

Fidèle à sa tradition, Blood Axis laisse une part aux belles lettres pour ce qui est des textes. Ovide et ses Métamorphoses donc, Herman Hesse (pour la mise en musique du très beau poème "Erwachen in der nacht"), Herybert Menzel repris par Miguel Serrano (référence tout sauf innocente mais que voulez-vous, on ne se refait pas), mais aussi plusieurs auteurs médiévaux anonymes. Moynihan s'efface vraiment derrière ses références et signe de lui même peu de textes. Avec toujours les mêmes obsessions qui reviennent: le temps, la vie, la mort.

La mort, voilà le pivot central de l'album. La mort et la renaissance. Born again est un voyage au sein de la nuit de l'âme, mais pas un voyage sans retour. Au contraire. C'est un voyage initiatique qui s'ouvre à nous: découverte, sacrifice, échec et chute, désespoir et accomplissement, multiples étapes de ce périple qui s'appelle l'existence. Et c'est la force cyclique éternelle de cette existence qui est louée. Si "The vortex"  par exemple nous entraînent au fond des ténèbres et de la fatalité du destin, avec la gigue dansante du titre éponyme en conclusion c'est le retour du soleil qui est fêté. Le retour de la vie, de la joie d'être en vie, simplement. Une joie goûté sereinement par celui qui a parcouru les étendues sombres de l'âme et de la mort et en est revenu, laissant la peur et les tourments de l'esprit derrière lui. Le regard changé.

Avec Born again, Blood Axis a réussi un pari difficile: se recréer sans se renier, évoluer tout en gardant la même identité. Cela aurait pu être facile de pondre un Gospel of inhumanity 2, de reproduire les vieilles formules indus martiales qui ont fait le succès du groupe. Mais il faut croire que Michael Moynihan n'est pas comme ça et que le monsieur aime les défis. Ou plutôt qu'il a voulu rester intègre à ses croyances et adapter son œuvre à son discours: avancer et changer. Il l'a fait en beauté. A l'heure ou la facilité est souvent le dénominateur commun en matière de production musicale, un disque aventureux, complexe, intelligent, sensible et qui refuse obstinément le nivellement par le bas ne peut qu'être salué.

"Steep is the path but filled with light from those who climbed before me,  who left on every jutting rock  a lantern glowing with their dreams".

http://bloodaxis.com/

Live report: Om, Toulouse, 20/04/2012

On peut dire qu'on a eu du pot. Om en concert à Toulouse je n'y aurais jamais cru. Ça fait très fan-boy de dire ça, mais j'assume. Comme d'hab' on en désespérait de les voir passer au Roadburn, le festival loin, très loin, et toujours sold-out en une heure, en se disant qu'il y avait presque autant de chances de les voir enchaîner une tournée que de voir le grand sphinx Ré-Harmakis se mettre à bouger, tout cachés qu'ils sont derrière leur aura. D'ailleurs quand Kongfuzi a annoncé les dates, j'ai cru au mirage. Om à Toulouse? En vrai? Ben ouais.

A la base c'est le temple sonore de la Dynamo qui devait accueillir l'office. Au final ce sera le Saint des seins. Pas que je n'aime pas cette dernière salle mais disons qu'outre une acoustique un poil moins bonne, elle manque singulièrement de charme. L'ambiance mi-cosy mi-garage de la Dynamo eut été plus adaptée pour Om. Mais passons. Passons aussi, tant qu'à faire, sur la très étrange et inutile première partie. Je vais être franc: je n'ai même pas retenu le patronyme des locaux qui avaient la lourde tâche de chauffer la scène. Je n'ai en mémoire que des nappes mélodiques dronisantes plus ou moins répétitives et soporifiques. "On dirait le bruit de la mer" me glisse-t-on à l'oreille. Ouais, sans les mouettes mais avec les basses ronflantes pour faire la corne de brume du chalutier. On va plutôt s'exiler au dehors, le temps de se préparer pour la suite à grand renfort de, heu, hum, d'homéopathie.

Et on y est. Mise en place minimale pour Cisneros et ses officiants. Aucun aménagement notable sur scène, pas de backdrop, pas de fumée, lights minimum. Sobre, très. Trop? On ne s'en plaindra même pas, tant Om ne fait pas dans l'esbroufe. Pas besoin de tout ça. Mais reprenons: je disais "Cisneros et ses officiants" car en plus d'Emil Amos derrière les fûts, un troisième comparse s'est joint à eux en la personne du guitariste/claviériste/chanteur/bidouilleur de sons Robert Aiki Aubrey Lowe, qui apportait déjà sa touche sur God is good. Et ça y est: les amplis sont chauds, les Rickenbacker alignées sur leur rack (raaaaah!) prètes à en découdre, et la bouteille de Johnnie Walker d'Amos (seule faute de goût de la soirée) déjà entammée. Cisneros a beau se traîner un éternel air de Droopy vaporeux (l'homéopathie, sûrement), il sait comment s'y prendre pour rendre hommage au dieu Son. Et on va le voir.

Al Cisneros dans la transe électrique.

La première partie du set sera plutôt heavy, avant de basculer tout doucement dans un psychédélisme de fort bon aloi, toujours en faisant la part belle aux deux derniers albums. Nous eûmes droit –entre autres et dans le désordre- a des versions remaniées de "Unitive knowledge of the godhead" et "Bhima's theme", toute la face B de God is good, mais aussi à un inédit tiré du prochain album à sortir en juillet. Et ce "Sinaï" laisse entrapercevoir de fort belles choses en terme d'ambiances planantes pour ce prochain opus!

Que dire de plus pour une telle messe? Qu'on a eu droit à un concert où l'on fait très facilement abstraction de tout ce qui se passe autour pour se couler dans le son, ce qui est la marque des grands moments de live. On oublie tout, obnubilés par les roulements et multiples finesses d'un Amos en très grande forme, par les infinies variations d'un Cisneros écoeurant de technique et de feeling (une leçon de basse, tout simplement), mais aussi envoûtés par les petites touches apportées judicieusement par Lowe. Traficotages de sons à grands coups de pédales, effets de gratte façon orgue (!) parfaitement placés, il nous a tout fait. Même des interventions vocales divines, superposant ses harmoniques au dessus des mantras de basse de Cisneros. Bluffant. Et tout ça en gardant toujours une spontanéité purement rock. Om c'est avant tout du stoner bordel, et ils ne l'oublient pas!

Et combien de temps tout cela à-t-il duré? Hé bien… aucune idée. Vraiment. Ce n'est pas que je n'ai pas eu le réflexe de regarder ma montre, mais qu'on perd tout simplement la notion du temps lors d'une telle cérémonie. On ressort bluffés, admiratifs, avec en plus l'impression de petit privilège pour ce qu'on a vu/vécu. Finalement l'herbe est accessoire, car les mantras d'Om valent à eux seuls leur pesant d'envolées mystiques. Vous allez me dire que cela fait cliché de ressortir les mêmes termes spirituo-esotérico-patchoulis pour Om. Je vous répondrai que non, car il est rare de voir un groupe rendre aussi bien hommage à la déité cachée dans le son. Une expérience à vivre.

Spite Extreme Wing - Ultra

Il y a des groupes qui ne font pas les choses comme les autres, et ils sont assez rares. Ceux qui ne se tiennent pas aux conventions et figures imposées du genre, qui ne suivent pas le mouvement mais leur propre voie. Spite Extreme Wing en sont.

Ces italiens sévissent depuis 1999, avec maintenant trois albums au compteur. C'est au dernier en date que je m'attache aujourd'hui. Vltra est sont petit nom, petit par le lettrage mais grand par ce qu'il implique. Mais d'abord un peu de latin: "ultra" dans la langue de Cicéron veut dire "au delà", "outre". Plus qu'un nom ici c'est un projet, celui de briser quelques barrières. Et ils vont le faire magnifiquement. D'ailleurs puisque l'on parle de Cicéron il est de la partie, cité par le groupe dans cette œuvre "où il est montré que toutes les choses humaines ne sont qu'un rêve". Voilà, le décors est installé. Rêve, illusion, introspection, voyage. Ce sera la substance de ce Vltra.

Si votre came c'est le black metal nordique, froid et minimaliste, ou le gros brutal qui tâche, ou l'orthodoxe-avec-samples-de-chœurs-qu'on-sait-pas-ce-que-c'est-mais-ça-fait-religieux, passez. Ou plutôt non, venez justement, mais en laissant vos idées préconçues au vestiaire. Spite Extreme Wing nous sert ici un black metal rapide et curieusement atmosphérique, progressif même, proche dans le son et l'ambiance d'un Seth période Les blessures de l'âme par exemple, mais avec une approche sonore particulière. Déjà les claviers sont remplacés par un multi effets analogique Roland Space Echo et guitare et basse sont branchées sur de la valeur sûre de chez Orange. Le vintage au service du futurisme, comme un symbole (je vais y revenir). Les compos sont  souvent relativement longues, variées, très chargées en mélodies aux accents folkloriques, et tous les textes sont chantés en italien. Une sacrée mixture qui prend très bien, grâce à un vrai travail de composition et d'organisation qui donne toute sa cohérence à l'ensemble. Les titres s'enchaînent pour former une suite de paysages, un panorama. Un vrai voyage.

C'est très fin, très travaillé, sans jamais sonner surfait ou trop produit. L'alchimie est réussi entre gros travail cérébral pour concevoir le tout et maintient d'une certaine spontanéité. C'est d'autant plus louable qu'au niveau des textes et de la réflexion apportée, ça vole assez haut. Pas de satânerie de base ni de délires identitaires/retrogrades comme hélas trop souvent dans le genre. Les italiens proposent à la place une réflexion à eux sur la place de l'esprit humain dans le temps et son rapport au monde. "Les choses humaines ne sont qu'un rêve" nous dit-on en préambule. Scipion, Ulysse, Mercure, archétypes des voyageurs et décideurs, invoqués au fil du texte pour peupler ce tableau des passions, des errements humains, des idoles qui tombent et d'autres qui s'élèvent. Avec constamment comme une invocation à vivre, c'est à dire à se surpasser soi même, au sens nietzschéen. Un pied dans le passé, les yeux vers le futur, c'est la place de Spite Extreme Wing. Entre évocation du passé et de l'héritage italien, emprunts littéraires à Rome et graphiques au symbolisme (pochette reprise du peintre russe Konstantin Juon), Spite Extreme Wing plante son drapeau, celui d'antimodernes en lutte contre le monde courant, cherchant à s'en échapper tout en en prenant part. Bref on sort largement des sentiers mille fois battus du black metal, tout en y étant farouchement établis mais de façon paradoxale, détournée. Adulte, si vous voulez.

Hélas on a plus de nouvelles du groupe, donné pour splitté depuis peu. A part une participation à une compilation éditée par Signum Martis (un rassemblement de groupes et artistes péninsulaires partageant les même idées) il n'y a pas eu de suite à ce Vltra, si ce n'est une réédition en grosse galette noire au tracklisting remanié et complétée de bonus. Réédition logiquement appelée Nec plus ultra. Ça leur va très bien.

Vltra est encore trouvable en vinyl chez le label: http://www.art-of-propaganda.de/